ELEMENTOS DE CONTROL...MICHAEL FOUCAULT
Felix de Azua. define ARTISTA
Hacia una Política de las
Formas
Síntesis
autor. Nicolas Bourreau
Cohabitaciones
Sistemas Visuales
El autor
reconoce entre dos tipos de arte históricos. El arte renacentista y el moderno.
Postula que la pintura renacentista se encontraba limitado pues, gracias a la
perspectiva, el espectador en un punto de vista mono óptico se podía situar en
un único lugar. Además asignaba valores o símbolos sociales. El arte moderno
busca darle al espectador muchas miradas, busca que sus en su experiencia,
este, se sienta envuelto. Finalmente hace una relación simbiótica entre la
multiplicidad de las miradas y el arte proveniente de África y Oriente.
La imagen es un momento
El autor nos
habla de que efectivamente la imagen es un momento. Esta detenida en el tiempo:
no avanza y no se detiene.
Lo que muestran los artistas
Realidad: aquello de lo que puedo hablar, de aquello que se puede mantener
una conversación con el otro.
Imaginación: prótesis que se fija sobre lo real con el fin de producir mas
intercambios entre los interlocutores.
El arte
destruye lo a priori, es necesario de la experiencia . El artista hablaba por
códigos, y en el arte moderno se han roto. Dichos códigos se han roto para
traspasar los limites, ahora el artista y el espectador son quienes deben
trabajar para darle un nuevo sentido a los objetos.
Los limites de la subjetividad individual
El artista no
piensa solo ni actúa solo. Esta rodeado de un contexto y por ende dicho
contexto afecta su obra y el afecta el contexto. Pensar en lo contrario es un
cliché.
La ingeniería de la subjetividad
Los años90
vieron la tecnología influir en las practicas colectivas. El arte no estuvo
exento de ello y el artista se encargo de usarla como recurso. Este recurso
pone en relación una nueva estructura en la relación artista obra y espectador:
artista, interlocutor, publico activo. Esta visión de la obra como un interlocutor
procuraba al artista de una despersonalización y la obra surgía por la relación
entre el interlocutor y el publico activo. Pese a que el autor no lo dice se
esta refiriendo a lo que posteriormente se designara como arte interactivo.
¿Un arte sin efecto?
Una de las
criticas que se le hace al arte es su supuesto carácter de interés elitista.
Sin embargo esto deja de lado propuestas que buscan ser de un arte para todos
(por ejemplo el arte conceptual) y que son atacadas de la misma manera. El
autor propone que este ataque, a dicho arte, surge no por el carácter elitista
sino porque el artes es una forma suavizada de critica social.
Estas obras se
juzgan, según el autor, a partir del criterio de coexistencia: tomando en
cuenta la historia del arte y el valor político de las formas. Se mira en ellas
“la proyección de lo simbólico y lo real”. Postula por ultimo que la exposición
de arte, es una forma de sacar a este de su alienación reinante.
El porvenir político de las formas
El desanimo de
la sociedad se da a partir de la no materialización de las ideas, de su falta
de forma. Después de la modernidad y su fracaso al no hacer reales y aplicables
sus ideales, las relaciones en el arte han cambiado. Las nuevas relaciones,
influenciadas por el capitalismo, se
encuentran en una dinámica proveedor/cliente. Dinámica que ha logrado
hacer del arte algo utilitarista y mercantilista, aunque no con totalidad.
Rehabilitar la experimentación
No se pueden
formalizar ideas sino se es libre para la experimentación. Si uno no es libre y
no experimenta y deja muchos elementos al azar no produce nuevos conocimientos.
Es decir simplemente vuelve a las tradiciones y realiza operaciones meramente
técnicas, que desbocan en una repetición de aquello que ya se ha hecho.
Estética relacional y situaciones construidas
El arte ha
cambiado para ser situacionista y en esa medida se inmiscuye en un carácter de
lo cotidiano. En dicho carácter una obra puede ocurrir sin necesidad de un
otro, mas el arte necesita de otro para suceder. Aun así, este arte, logra
mostrar elementos mas allá de la cotidianidad y proponer nuevas dinámicas
dentro de ella. Así se proponen obras no convencionales, en la medida en que la
única relación sea a través del intercambio, que cambian el paradigma y lo reconcilian
con el arte.
El
paradigma estético
Félix Guattari es un escritor cuyas preocupaciones
plásticas le han llevado a escribir en una forma similar a esta. Es decir con
un pensamiento de la escultura, del dibujo, de la composición y otros elementos
de la plástica. Este compañero en varios ensayos de Gillez Deleuze, impone en
estos una estética propia de sí. En este capitulo el autor se basa en la
explicación de algunas ideas importantes que se verán en los siguientes
capítulos.
La
subjetividad conducida y producida
Desnaturalizar la subjetividad
Guattari
propone desnaturalizar la subjetividad. Quitarle su valor elevado con el fin de
evitar que esta se convierta en un equipamiento colectivo. Es decir que ser torne rígida y al servicio del poder de
unos cuantos. En esta medida, dice el autor, esta subjetividad se asemeja al
arte. No solo en el aspecto ya comentado sino también, en la medida en que
ambas, el arte y la subjetividad, buscan conquistar la individualidad. Ambas
necesitan ser transformada (desnaturalizadas y desterradas) para que no caer en
un uso mercantil vulgar.
Estatuto y funcionamiento de la subjetivad
Se proponen
dos análisis de la subjetividad desde la fenomenológica y el estructuralismo.
Para la fenomenológica la subjetividad es una realidad individual en donde no
puede existir nada mas, mientras que, para el estructuralismo es solo una
superstición o la ideología de unos pocos, casi un concepto utópico.
Respecto a
este tipo de subjetividad Guattari hace un análisis, basado en estudios de
semiótica y antropología, en donde explica como la subjetividad individual es
un caos. Además muestra como es necesario ampliar el territorio de lo subjetivo
a un termino colectivo. Argumenta que hasta ahora la subjetividad individual
esta manejada por la estructura mental de orden cultural. Para que exista la
subjetividad individual y personal, es necesario el medio que se antepone a
esta; reconociendo así un conjunto de relaciones sociales y no solo la
producción de un sujeto. Para producir esta subjetividad colectiva es necesario
el entorno cultural, el consumo cultural, y los artilugios ideológicos.
Finalmente una producción indéxica, individual y personal que crearan nuevas
relaciones sobre la experiencia humana. De este modo Guattari ve el arte como
un detonante de la sensibilidad.
Las unidades de subjetivación
Tomando en
cuenta lo anterior y retomando las nociones románticas del arte, Guattari busca
cambiar el paradigma de la subjetividad en el arte. Expresa que para el actual
tiempo, y retomando las concepciones estéticas de Kant, Hegel y el
romanticismo, debemos aceptar que la subjetividad esta ligada al arte. Sin
embargo, para una época contemporánea, no se puede ver al artista como un genio
sino como un operador de sentido, pues esto, es solo ver en el la posibilidad
de capitalizar su subjetividad.
En cambio
propone una homogenización de la subjetividad con el fin de desmercantilizar la
noción de arte. Al valer la firma, la unicidad y la subjetividad individual
como se ha hecho desde el romanticismo, el arte ha entrado en una dinámica
mercantil donde se le de valor a dichas elementos. El autor según lo que
Guattarri propone, es romper dicha
subjetividad, dejar de firmar y quitarle valor al estilo, con el fin de cambiar
el curso del arte y evitar que sea solo un producto capitalista mas. Recoge
esta ultima propuesta exaltando el trabajo y las propuestas de corrientes
artísticas y artistas como: Marcel Duchamp, Andy Warhol, Raushemberg, Beuys, los surrealistas, el dadaísmo
y los situacioncitas.
La critica del paradigma del cientificismo
Para Guattari
la estética tiene el gran poder de adaptarse a diferentes niveles del
conocimiento y a todos los saberes. Sin embargo cuestiona la adhesión a una
academia y alienta la producción de nuevos sentidos que no surjan desde el
pensamiento cientifista, sino mas a la manera de la creación procesual como la
que lleva a cabo un artista. Producción
de conocimiento que esta sujeta a incertidumbres y no a una verdad irrefutable.
Siempre la misma canción, el síntoma y la obra
El autor
retoman los conceptos de la labor del artista y la actividad de la
contemplación. Dicha actividad se resalta en la medida en la que afecta la
psique del espectador. Bajo este precepto juzga de estar enferma a la sociedad,
y que su enfermedad se llama capitalismo y su efecto la homogeneidad. Compara
también la labor del artista con la del psicoanalítico en la medida en que
ambos trabajan, no solo en la psique de otro, sino en la medida en que ambos realizan
su actividad sobre materias inexistentes. Ambas profesiones, bien sea la del
psicoanalítico o la del artista, pueden llevar a la neurosis o a la claridad.
Propone que según Guattari el arte tiene la posibilidad de curar la
homogenización que ha producido el capitalismo.
La obre de arte como objeto parcial
La obra de
arte es importante como una posibilidad de subjetivación estética que sorprende
al espectador y crea nuevos sentidos simbólicos, no retóricos ni discursivos.
Entiéndase la obra como un canal de información en el que existe una
transferencia de subjetivación entre en autor y quien mira la obra. Esta
transferencia es inconsciente y relativa en tres instancias: lo que había
previsto realizar el artista, lo que realizo, lo que el espectador ve en
ella. Así se demuestra como la obra
resignifica conceptos, como bien lo expone Duchamp en su obra. Sin embargo esta
producción de conocimiento crea solamente enunciados parciales que se
insertaran en la subjetividad colectiva debido afectos y perceptos de quien
observa la obra, sujeto a sus construcciones sociales.
Para una praxis artística ecosofica
La ecosofía es
una practica que busca reconstruir aquellos territorios, políticos, sociales y
tangibles. Busca reconstruir aquel vacío
que el capitalismo, la búsqueda exagerada de bienes y el deterioro de los
territorios existenciales individuales y colectivos, ha dejado. Todo esto a partir de la subjetividad, de
cambiar aquellas viejas ideas que rompen con lo social, lo privado y lo civil.
Es por eso que el arte contemporáneo es uno de sus grandes aliados.
El autor nos
expone como el cambio de miradas del arte moderno al contemporáneo a servido a
la causa de la ecosofía. Como gracias a su carácter pluridisciplinario e
inclusivo a logrado potenciar obras importantes. Cita como ejemplos la obra de
Marcel Broodthaers, quien relación la imagen y la poesía, Joseph Beuys quien
incluye la política en forma y Guattari quien parece recoger aquellos
desplazamientos en el arte para producir su critica a los sistemas de
producción y la segregación de una profesión especifica.
La economía conductista del arte actual
Sin embargo,
el autor, deja abierta una pregunta ¿Cómo insertar esta estética, propuesta por
Gauttari, en las tramas rígidas de la economía capitalista? A lo que responde
que según Oscar Wilde: la modernidad es el momento para que la vida imite al
arte. En esa misma media Marx propone una praxis y una poiesis en donde se transforma
a si mismo y transforma a la materia. Finalmente George Batail hace una critica
a la economía capitalista en la que todo ha de tener una función, que clasifica
la existencia humana en categorías preestablecidas. Así Guattari nos dice que
la única finalidad aceptable de la actividad humana es producir subjetividad
que enriquezca la relación con el mundo.
Para ello el mejor ejemplo son los artistas contemporáneos que utilizan
el tiempo como material e incitan al espectador a modularlo. Siendo ellos mismo
universos de subjetivación en constante flujo.
El objeto del
arte, según el autor, es resistir a la
perversión mercantilista para acompañar y orientar cambios sociales. Muestra de
ello es el Ready-made asumido como un dispositivo plástico, poietico, que tiene
el poder de transformar una realidad.
Arte,
Acción y Participación
Síntesis
Introducción
Las
problemáticas de los nuevos artistas y las nuevas obras han cambiado. Es ahora
cuando la importancia del espectador, es decir su participación, y la idea de
un entorno entran en juego. De dicha dicotomía propone entonces dos
posibilidades de interacción del espectador en el entorno: el arquitectónico y
el plástico. En el primero el espectador
esta convergido dentro del urbanismo y en el segundo la relación entre hombre y
entorno se torna de estática a dinámica.
Esta nueva
noción de entorno, al que el autor llamara entorno moderno crea nuevas
dinámicas entre los implicados en el arte: la obra, el artista y el espectador.
Así también se evaluad entonces la concepción que se tiene de estética y su
experiencia en cuanto a la obra de arte plástica.
El entorno
moderno entonces tendrá una nuevas características y cualidades directamente
relacionadas que serán las principales de las nuevas dinámicas anteriormente
explicadas:
1.
El entorno moderno es hecho
para el espectador. Posee una cualidad humana en su capacidad de “mantener”
personas. Una cualidad en la medida que el humano participe de dicho entorno.
2.
El entrono moderno es una
preposición espacial autónoma. Posee una cualidad de realidad.
3.
El entorno moderno, en su
cualidad autónoma, no es un reflejo de su contexto social o histórico.
4.
El entorno moderno invita al
paradigma critico, estético o ideológico. En dicho sentido es un entorno real e imaginario de
creación artística.
El nuevo papel del artista
Karl Popper
hace una retrospectiva de las distintas corrientes artísticas que, desde la
nueva posición del artista, han surgido a través de los años 70’s. Estas corrientes surgen de dos pilares que
entran en una dicotomía casi contraria: el conceptualismo y el realismo. Cada
uno desde una mirada distinta abarca las problemáticas del arte de dicho tiempo
y hace énfasis en relaciones sociales y culturales, al igual que con el
espectador, de maneras distintas. Así mismo se generan dicotomías políticas en
el arte: un arte burgués y un arte social, un idealismo y un materialismo
marxista.
El
conceptualismo como una corriente que empieza a surgir a mediados de los 60’s
propone relación distinta entre el objeto y la idea, en donde la mayor
importancia se encuentra en la idea y no en el objeto. De esta concepción
básica surgen varias propuestas como arte povera, el “Earth Works” o “Land
Art”, el arte del cuerpo y las primeras realizaciones de Arte Minimal. De la
misma manera surgen con ideas en contra de una arte de las elites y burgués un
“arte para todos”.
Estas
expresiones se basan en una búsqueda descontextualización de ciertos
paradigmas. Así corrientes como el arte povera y el Land Art buscan
desencasillar la necesidad de materiales específicos, la concepción de un arte
meramente comercial y la búsqueda por la exploración en la relación entre la
obra de arte, el contexto y el espectador. Las propuestas del Body Art o arte
del cuerpo se asemejan al Land Art en su búsqueda de un contexto fuera del
museo o la galería. Además muchas de las obras que se enmarcan en esta
corriente tienen un carácter político mas fuerte. Muchas de estas de estas son
obras no son solamente usadas en una búsqueda de un arte para todos sino
también como formas de denuncia alternativas y que apelen en un tiempo real y
presente a influenciar los sentidos del espectador de manera directa. Sin
embargo no se puede olvidar que la corriente de arte conceptual esta inmiscuida
en una visión del arte como una producción de arte autónomo y en muchos casos
con un carácter individual.
Es importante
aclarar que el arte conceptual y el realista no son corrientes completamente
inclusivas o que posean leyes absolutas. En cambio las propuestas artísticas
que, surgen durante los años 70’s, fluctúan entre características en uno u otro
arte. Así surgen propuestas dentro del arte realista que buscan salirse de lo
burgués y apelar a un arte para todos.
Referente a lo
ultimo, el autor, dentro del arte realista hace una división importante, que
serán las cuatro diferentes vertientes mayores del realismo: el realismo
informativo, el realismo sociológico, el realismo abstracto y el hiperrealismo.
El arte informativo y sociológico van a hacer parte importante del realismo que
surge en China o el influenciado por el marxismo – leninismo. Este realismo
estará caracterizado por el uso del cartel, los oficios clásicos y un interés
de hacer del arte una forma de resaltar los valores sociales y la importancia
del héroe obrero. Al igual que en el arte conceptual, hay una búsqueda paralela
por hacer del arte algo para todos. El arte realista fundado en occidente y sin
influencia del marxismo basara sus propuestas en el hiperrealismo y en una
importancia del plano formal. Según el autor el interés, de dicho arte, es
hacer una critica a la sociedad de consumo.
Por
ultimo el autor expone dos corrientes
nacientes en el arte después de los 70’s que rompen con esta categorización
entre el realismo y el conceptualismo: la intervención y el arte sistemático.
El autor define la intervención como “<<una modificación cualitativa del
entorno urbano o sociológico acudiendo a las necesidades estéticas y a la
creatividad del espectador<< y << la organización racional y
reflexiva del mundo habitado, basada en principios científicos y estéticos y
que desemboca en un repertorio de vías posibles, pudiendo llegar hasta la
arquitectura>>.”[1]
El arte sistemático por otra parte esta basado en la reducción de la
óptica y una participación del publico
mas radical e influyente. Como dice Popper el arte sistemático “es la
asociación de los sistemas plásticos individuales a la teoría lingüística y
estructuralista.” [2]
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